domingo, 8 de outubro de 2017
quarta-feira, 4 de outubro de 2017
terça-feira, 3 de outubro de 2017
segunda-feira, 25 de setembro de 2017
quarta-feira, 20 de setembro de 2017
Atlântico negro na rota dos orixás e Cartas para angola
| Atlântico negro na rota dos orixás |
| Cartas para angola |
segunda-feira, 11 de setembro de 2017
Atlântico negro na rota dos orixás e Cartas para angola
| Atlântico negro na rota dos orixás |
| Cartas para angola |
terça-feira, 29 de agosto de 2017
segunda-feira, 26 de junho de 2017
Alice através do espelho e Cabra marcado pra morrer
O CineClube está muito feliz com a participação da comunidade e quer agradecer as sugestões para a melhoria do nosso projeto!
segunda-feira, 19 de junho de 2017
Alice através do espelho e Cabra marcado pra morrer
Junho chegou e trouxe
um monte de filme maravilhoso pra ver no cinema! O primeiro da lista foi Alice
Através do Espelho e eu tava doida pra assistir. Amo os filmes da Disney e
precisava de uma folga desse monte de filme de herói que ta lançando ultimamente.
O primeiro filme da Alice não é meu favorito no mundo, mas eu gosto bastante.
Pra mim, ele é muito dark, o que é compreensível já que se passa no reinado da
Rainha Vermelha, e eu já sou acostumada com aquele ambiente colorido e maluco
do desenho animado. Por isso, o segundo ganhou meu coração. Ele é colorido e
lindo, fora que eu prefiro a história dele. Mas enfim, vamo logo falar desse
filme e podem relaxar, não tem spoiler!
O filme acontece mais
ou menos três anos após a visita ao País das Maravilhas da Alice. Ela se torna
capitã do navio do seu pai e viaja pelo mundo durante esse tempo. Quando volta
pra casa descobre que seu sócio morreu e o filho nojento (e ex quase noivo
dela) assumiu a companhia e comprou os 10% de ações que ela tinha e o navio de
seu pai. Além de tudo isso, ela é proibida de viajar de novo e o único trabalho
que oferecem é pra arquivar papeis do escritório da firma. Depois de ouvir tudo
isso, ela foge e encontra com o Absolem, aquela lagarta azul do primeiro filme.
Em forma de borboleta, ele conduz a Alice até uma sala e entra no espelho. Como
ela tava encurralada, segue ele e entra no espelho também. Daí é óbvio onde ela
chega né? No País das Maravilhas!
Ela encontra com todo mundo logo de cara, mas
não ta tudo certo. O Chapeleiro Maluco ta muito mal e a única pessoa que pode
ajudar é a Alice. Ele tem certeza que a família está viva, mesmo isso sendo
impossível, e a missão dela é voltar no tempo pra salvar eles da Rainha
Vermelha. O único jeito disso acontecer é roubar a CronoEsfera do Tempo, que,
no caso, é uma pessoa e tem um caso com a Rainha Vermelha. Depois de roubar o
que precisa, ela sai numa jornada pelo passado com a intenção de salvar a
família Cartola, e acaba descobrindo fatos que explicam muito sobre a atual
formação do reino.
Como eu já falei, eu
amei demais esse filme. É todo colorido, todo lindo e eu nunca vou superar o
gato Cheshire bebê, ai que coisa fofa! A história também é maravilhosa. Gostei
bem mais do que a do primeiro, me prendeu do começo ao fim, talvez por não ser
sobre uma guerra do começo ao fim. O final também me surpreendeu muito, não é
tipo clichê, apesar de ser, não sei explicar. Ah, também passa umas lições
importantes sobre o tempo e como ele pode ser várias coisas na nossa vida, além
de algumas outras que eu não posso contar senão vira spoiler. Recomendo pra
todo mundo, a fotografia é linda, o roteiro é maravilhoso e não deixa a desejar
de jeito nenhum!
TÍTULO DO FILME: CABRA
MARCADO PARA MORRER (Brasil, 1984) DIREÇÃO: Eduardo Coutinho
ELENCO: Elisabeth
Teixeira e família, João Virgínio da Silva e os habitantes de Galiléia
(Pernambuco). Narração de Ferreira Gullar, Tite Lemos e Eduardo Coutinho. 120
min., Globo Vídeo.
RESUMO
Em fevereiro de 1964
inicia-se a produção de Cabra Marcado Para Morrer, que contaria a história
política do líder da liga camponesa de Sapé (Paraíba), João Pedro Teixeira,
assassinado em 1962. No entanto, com o golpe de 31 de março, as forças
militares cercam a locação no engenho da Galiléia e interrompem as filmagens.
Dezessete anos depois,
o diretor Eduardo Coutinho volta à região e reencontra a viúva de João Pedro,
Elisabeth Teixeira -- que até então vivia na clandestinidade -- e muitos dos
outros camponeses que haviam atuado no filme antes brutalmente interrompido.
CONTEXTO HISTÓRICO
As Ligas Camponesas
vinham sendo criadas desde meados dos anos 50 com o objetivo de conscientizar e
mobilizar o trabalhador rural na defesa da reforma agrária. Durante o governo
de João Goulart (1961-64), o número dessas associações cresceu muito e, junto
com elas, também se multiplicavam os sindicatos rurais. Os camponeses,
organizados nessas ligas ou em sindicatos ganharam mais força política para
exigir melhores condições de vida e de trabalho.
A renúncia de Jânio
Quadros em 25 de agosto de 1961, após apenas sete meses de governo, abriu uma
grave crise política, já que seu vice, João Goulart, não era aceito pela UDN e
pelos militares, que o acusavam de promover agitação social e de ser simpático
ao comunismo. Assim como esses setores eram contrários à posse de Jango,
existiam outros que defendiam o cumprimento da Constituição, como o governador
do Rio Grande do Sul, Leonel Brizola.
O impasse foi
resolvido com a adoção do regime parlamentarista de governo, aprovado pelo
Congresso. Com esse regime, Jango era apenas chefe de Estado, sendo que o poder
efetivo de decisão estava nas mãos de um primeiro-ministro escolhido pelos
deputados e senadores.
Diante da crise
econômica, o regime parlamentarista imposto pelos conservadores, se mostrava
ineficiente, com a sucessão de vários primeiros-ministros, sem que a crise
fosse atenuada. Esse cenário fortalecerá o restabelecimento do
presidencialismo, conquistado através de um plebiscito em 6 de janeiro de 1963.
Reassumindo a plenitude de seus poderes, Jango lançou as reformas de base
apoiadas por grupos nacionalistas e de esquerda.. Elas incluíam a reforma
agrária, a reforma do sistema bancário, a reforma tributária e a reforma
eleitoral.
Muitos comícios foram
organizados em apoio às reformas, destacando-se um comício-gigante realizado na
Central do Brasil do Rio de Janeiro em 13 de março. A mobilização popular nos
comícios assustava as elites que, articuladas com as forças armadas e apoiadas
pelos setores mais conservadores da Igreja desferiram um golpe de Estado em 31
de março de 1964.
No dia seguinte, o
controle dos militares sobre o país era total e, no dia 4, Goulart se
auto-exilou no Uruguai, sem impor qualquer resistência aos golpistas, temendo
talvez o início de uma guerra civil no país.
Iniciava-se assim um
dos períodos mais obscuros da história do Brasil, com 21 anos de ditadura
militar que promoveu uma violenta onda de repressão sobre os movimentos de
oposição, além de ter gerado uma maior concentração de renda, agravando a
questão social, produzindo mais fome e miséria. Os "anos de chumbo"
da ditadura ocorreram após o AI5 (Ato Institucional número 5), no final do
governo Costa e Silva (1968), estendendo-se por todo governo Médici
(1969-1974).
domingo, 4 de junho de 2017
segunda-feira, 29 de maio de 2017
Encontro com Milton Santos e Todos os homens do presidente
Quando lançado, em
2006, Encontro com Milton Santos… foi a sensação do Festival de Brasília, e ao
longo de sua estreia pelo mundo, arrebatou diversos prêmios. O diretor Silvio
Tendler, famoso por ter assinado documentários críticos sobre a sociedade
brasileira (Os anos JK – Uma Trajetória Política, Jango e Utopia e Barbárie,
por exemplo), realiza aqui um projeto que tinha desde 1995, quando conheceu o
geógrafo Milton Santos e cogitou filmá-lo. Apenas em 2001, e cinco meses antes
da morte do estudioso baiano, o diretor realizou com ele uma longa entrevista
e, com base em suas ideias, realizou o filme em questão.
Se foi aplaudido de pé
nos Festivais e obteve elogios de muitos pensadores, críticos e cinéfilos, o
filme — como qualquer outro que fale de política — gerou indignação em alguns
grupos, que o acusaram de “embelezar a miséria“, “vender opinião engessada” e
de trazer uma “crítica terceiromundista viciada“. Já compararam o Tendler de
Encontro com Milton Santos… com Michael Moore em uma versão Tupiniquim — e isso
no pior sentido de sua conotação. Um outro grupo de espectadores tinha a
esperança de que o filme teorizasse a respeito do mundo globalizado
contemporâneo (lembrando que a obra é de 2006, fruto de entrevistas gravadas em
2001) ou trouxesse questionamentos de dezenas de pensadores sobre os efeitos do
consumo, a fome no mundo, os novos rumos da civilização.
Não se pode deixar de
assentir relutantemente para essas observações. De fato, o documentário é
inerte em relação aos questionamentos incômodos, porque não acenam para uma
intervenção, um princípio de resposta, por assim dizer. O filme se auto explica
e para por aí. Mas é necessário colocar pensar a respeito da proposta da fita.
A intenção aqui não é de fato construir um pensamento lançado a debates de
“melhorias pontuais de problemas do mundo“, porque a proposta é trazer à tona
as ideias do pensador entrevistado. Mesmo as participações realizadas durante o
filme são materiais de arquivo, fotos, vídeos amadores, noticiários de TV e
trechos de outros filmes que ajudam a explicar o pensamento sobre a sociedade
que o geógrafo tanto se dispôs a entender e interpretar. Nesse sentido, o filme
de Silvio Tendler entrega com bastante solidez o que promete: é uma obra na
medida certa para o tipo de material que escolheu mostrar.
Partindo da
importância da imagem para o homem do século XX e XXI, o documentário segue uma
linha cadencial entre dados, depoimentos e exposição no estilo jornalístico,
com narração de alguns atores. De um alcance bem amplo por ser constituído
comercialmente, o documentário toca em pontos delicados de nosso tempo usando
de linguagem acessível, que embora dotada de erudição, não se furta em explicar
conceitos essenciais para que o púbico entenda melhor outros desdobramentos,
como no caso da definição do que foi o Consenso de Washington, logo nos
primeiros minutos do filme. Muita coisa, no entanto, fica nas mãos do
espectador, para pesquisá-las posteriormente.
Se Tendler “fala o que
o povo quer ouvir” (para pegar uma frase clichê aplicada ao documentário), ele
o faz da melhor maneira possível. No entanto, duvido que essa estranha
definição seja legítima quando se trata de um filme que aborda manifestações
populares na Bolívia e no Peru, crise econômica na Argentina, manifestações
ambientalistas em Davos, busca por emprego no Brasil e fatos incômodos do mundo
em pleno “Globalitarismo”. É isso o que o povo quer ouvir?
Longe de
sensacionalismos, manipulação de opinião e perpetuações ideológicas rasas
Silvio Tendler procura transmitir as ideias de Milton Santos o mais fielmente
possível. A esperança entra como o elemento humanista e essencial do pensador e
da nossa sociedade na reta final. As regressões de pensamento político,
ocorridas nas últimas décadas, o sucesso empreendedor da inerte geração yuppie
e o triunfo da colonização econômico-comercial no mundo são expostos sobre uma
visão crítica porém não niilista, nem apontando para algo como “o fim da
História“. O público é convidado a ver um mundo que a mídia de massa não mostra
(embora com a internet isso conheceu uma série de bons — e maus também —
atalhos). Do lado de cá, o mundo globalizado passa a ter as suas primeiras
cores desbotadas. Uma semente de inquietação é plantada assim que o filme
termina.
Todos os Homens do
Presidente é um filme estadunidense de 1976, do gênero drama, dirigido por Alan J. Pakula e com roteiro baseado no livro de mesmo nome, lançado em 1974, de Bob Woodward e Carl Bernstein.
Dois jornalistas
investigam o escândalo de Watergate para o jornal Washington Post. Descobrem uma rede de espionagem e lavagem de dinheiro, o que acaba por levar à renúncia do então presidente dos
Estados Unidos, Richard Nixon.
Tudo, porém, começou
em um patamar muito pequeno na esfera política dos Estados Unidos: uma invasão
do edifício Watergate por cinco aparentes ladrões não mereceria mais do que
páginas policiais, mas ganhou, com o tempo, uma proporção não imaginada. O que
ocorreu de fato foi um caso amplo de espionagem política que levou o presidente
republicano Richard Nixon, eleito em novembro de 1972 para seu segundo mandato,
a ser forçado a sair do cargo. O filme mostra cenas históricas, permeadas às
demais dirigidas por Pakula, reforçando sua intenção de bem reproduzir o que
foi o caso Watergate.
Alguns meses antes da
reeleição de Nixon é que ocorreu a detenção dos cinco invasores, no
quartel-general eleitoral do Partido Democrata, no edifício
Watergate. Eles eram ligados ao FBI e à CIA, e foram apreendidos
usando câmeras e microfones. Nada disso, em princípio, interferiu na reeleição
de Nixon, porém, as suspeitas de que o próprio presidente estivesse envolvido
no caso aumentaram. É neste momento que vão surgir no cenário jornalístico os
repórteres investigativos Robert Woodward (interpretado por Robert Redford) e Carl Bernstein (Dustin Hoffman), do Washington Post. A partir
daí, todo o filme mostrará o esforço e os méritos de dois profissionais em
busca da verdade factual na solução de um caso extremamente obscuro.
segunda-feira, 8 de maio de 2017
Pro dia Nascer Feliz e Gênio Indomável
O nome não deixa muito
claro, mas Pro Dia Nascer Feliz é um filme sobre educação no Brasil. E, claro,
num país tão socialmente contrastado e de dimensões continentais como o Brasil,
tudo é questão do recorte que se faz, e de como se operam as inter-relações dos
lugares e das situações específicas que se vai registrar. Nesse primeiro
desafio, João Jardim se sai formidavelmente bem. A tentação de chamar a atenção
para as patentes diferenças geográficas e de classe é tão grande quanto fácil,
e a ideia de fazer um uso "dialético" montando e integrando lugares e
problemáticas heterogêneas cairia rapidamente num denuncismo confortável e no
lugar-comum. E o que Pro Dia Nascer Feliz faz? Analisa cada segmento por si
mesmo, criando quatro blocos homogêneos de instalação num ambiente, filmando os
lugares, tomando depoimentos de alunos e professores, enfim, criando um esforço
de compreensão a partir do que se filma, com um interesse maior no que está
diante da câmera do que com a tese que está embaixo do braço. Assim, vemos
inicialmente as precárias condições de uma escola na cidade de Manari, em
Pernambuco, depois somos transportados para uma escola em Duque de Caxias, Rio
de Janeiro, em seguida vamos para Itaquaquecetuba, no interior de São Paulo, e
por fim paramos numa escola de elite da cidade de São Paulo.
Vemos diferenças?
Claro. Uma escola de cidade pequena enfrenta problemas que uma escola de cidade
grande não enfrenta, as crianças numa cidade pobre vivem dificuldades
diferentes daquelas de uma cidade rica. Mas o que o filme mostra com extrema
competência é que o dinheiro não faz necessariamente uma criança mais feliz do
que outra, assim como uma educação mais qualificada pode ocasionar tantas
oportunidades na vida quanto criar pacientes de consultórios de psicanálise.
Assim, vemos a aluna-poeta de Manari que consegue construir para si, com todas
as circunstâncias contra, uma vida esclarecida, ao passo que algumas alunas de
um colégio rico do Alto de Pinheiros lutam para saber o que querem da vida.
Cada segmento é afrontado por seus próprios problemas. Alguns dizem respeito à
falta de condições, mas todos são afetados pelo modo de vida das redondezas e
pelas circunstâncias específicas dos bairros e cidades em que estão situados.
Assim, a escola de Caxias vive o problema da criminalidade e a escola rica de
São Paulo não consegue viver com o fato de ser um bunker de riqueza em meio à
pobreza e falta de meios da maior parte do país. Cada situação é respeitada,
sem tecer hierarquias ou expor ao ridículo algum dos lados. Claro, existe a
tendência de espectador em empatizar com os pobres e minimizar os problemas dos
ricos, considerados como fúteis (o que provoca por vezes reações monstruosas
por parte da plateia), mas João Jardim consegue orquestrar seu filme a partir
de uma estrutura que deixa cada segmento viver sua própria vida, respirar sua
própria respiração.
Numa segunda parte, o
filme intercala e integra seus segmentos a partir da questão da paternidade (o
que revela pais ausentes tanto em Manari quanto no Alto de Pinheiros, ainda que
a ausência se dê por razões diversas) e, em seguida, para a questão, igualmente
paterna, do Estado e dos contrastes sociais (plano aéreo clichê dos
arranha-céus e das favelas horizontais de Sâo Paulo), e ao mesmo tempo o filme
toca na questão da violência dos jovens, que também se dá de formas
heterogêneas em cada ambiente. É nesse momento que o filme evidencia uma de
suas insuficiências, a de buscar pronunciadamente alguns casos de exceção,
culminando em dois depoimentos de crimes de aluno, ambos em áudio sem imagem,
um ilustrado pela tela preta (meninos falando que roubam por ódio ou por falta
do que fazer) e outro com a chuva batendo nas poças em câmera lenta (uma menina
que narra um assassinato que cometeu no colégio, de forma deliberada e
orgulhosa com o feito porque a pena para menor é ínfima). Por mais que seja
absolutamente necessário se referir a casos como este, as cenas – sobretudo a
narração do assassinato – se revelam como algo oportunistas no filme, seja pela
pieguice das soluções de imagem para fazer caber o áudio, seja porque centras
questões muito mais gerais e decisivas da educação acabam sendo obnubiladas
pela força desses depoimentos.
O filme também recorre
à empatia com certos personagens como forma um pouco fácil de desenvolver uma
relação calorosa com a plateia – não à toa, faz retornar a adorável aluna-poeta
de Manari no fim do filme –, mas no geral o filme consegue mais do que fazer
apenas um inventário dos maiores problemas da educação no Brasil, chegando
inclusive a exercitar certos questionamentos mais teóricos e contemporâneos
como a adequação dos programas escolares às necessidades da vida dos alunos e à
necessidade de uma reformulação completa do papel entre professor e aluno, uma
vez que a relação de respeito ao mestre construída ao longo de séculos parece
não mais fazer efeito nos dias de hoje. Filme de grandes qualidades e alguns
evidentes defeitos, Pro Dia Nascer Feliz funciona como o ponto de partida para
um questionamento sobre educação por parte não só dos professores, mas de todos
aqueles interessados na importância da transmissão de saber, e na extrema
necessidade que essa transmissão tem na constituição da cidadania.
Sinopse: Em Boston, um
jovem de 20 anos (Matt Damon) que já teve algumas passagens pela polícia e é
servente de uma universidade, revela-se um gênio em matemática e, por
determinação legal, precisa trabalhar algumas horas com um professor e fazer
terapia, mas nada funciona, pois ele debocha de todos os analistas, até se
identificar com um deles.
Uma mensagem tocante e
que permite uma reflexão mais profunda acerca de alguns preconceitos e que com
magia do cinema, o efeito pode ser mais rápido e transformador. O roteiro é
poderoso, faz o expectador se conetar com ele e os personagens, que são
mostrados de forma inteligente, apesar das dificuldades pessoais de cada um. O
roteiro foi escrito por nada menos que a dupla Matt Damon e Ben Afleck, até
então desconhecidos do grande público e que acabou por arrebatar o Oscar de
1.998, desbancando muitos roteirista de renome. Ambos também trabalham no
filme, Matt no papel principal e Ben, num papel secundário, mas deixa o seu
recado. Os ambientes apresentados são maravilhosos, mostrando a cidade de
Boston em ângulos, contraditórios, sendo esta a idéia principal do filme,
mostrar as diferenças das classes sociais, enquanto uma é formal e mais
requintada (estudantes de escolas renomadas e universidade, bares mais
estilosos), a outra de apresentada de modo mais informal, simples, mostrando a
classe mais trabalhadora, mas tendo o seu charme também. Fotografia muito linda
e precisa de Jean-Yves Scoffier, composta por cenas limpas e naturalistas.
Músicas assinadas por Danny Elfman. Quanto ao elenco, é simplesmente
maravilhoso: Damon até então pouco conhecido, está incrível, muito seguro
(apesar do papel complicado e denso) na pele de Will, garoto órfão, com
histórico de violência em suas adoções, gênio na matemática, mas com uma falta
de inteligência emocional gritante. Que se torna uma bomba relógio ambulante,
sempre à beira de um colapso.
Minnie Driver
(Skaylar) também, muito tranquila, emotiva, com uma capacidade admirável de se
adaptar, conseguindo entrar e sair dos ambientes, com sua elegância natural;
muito convincente. Detalhe que não posso deixar de comentar: é a única mulher
num universo puramente masculino e machista de Boston, que se sai muito bem,
conquistando todos os amigos de Will. Mas quem encanta é o maravilhoso (sou
muito, mas muito Fã dele) Williams (Sam Maguire), que está em mais uma
performance emocionante, mostra ao mesmo tempo um brilhantismo/segurança e uma
vulnerabilidade tocante. Ora mais comunicativo e ora mais introspectivo, sendo
que tem o desafio de "domar" o temperamento difícil de Will. Ambos
são muito inteligentes, teimosos, mas acabam por se entender e se conscientizar
de que não são perfeitos. O filme aborda temas como: genialidade
(inteligência/conhecimento formal), medo de mudanças, amor, compromisso,
desafios, escolhas, culpa, derrota, perdas, preconceitos, responsabilidades.
Que são apresentados de forma envolvente. Amei principalmente a questão da
relação Psicólogo-Paciente, que neste filme foi enfocada, até como forma de
quebrar velhos modelos, onde a figura do profissional é mais humana e menos
dona da verdade. Mostrando que o importante é se estabelecer uma verdadeira,
com amor e respeito.
domingo, 7 de maio de 2017
segunda-feira, 1 de maio de 2017
Boxtrol e Últimas Conversas
Por mais que tenha
apenas quatro filmes no currículo, já é possível notar qual é o perfil da
produtora Laika Entertainment: o tom sombrio em histórias feitas para crianças.
Assim foi feito em A Noiva-Cadáver, Coraline e o Mundo Secreto, ParaNorman e
também em Os Boxtrolls, nova investida do estúdio que ainda tenta se firmar
entre os gigantes da animação em Hollywood – leia-se Pixar, DreamWorks, Blue
Sky e Aardman. Um caminho que, curiosamente, tem agradado mais o público adulto
do que propriamente o infantil.
Os Boxtrolls -
FotoBaseado no livro “Here Be Monsters!’, de Alan Snow, Os Boxtrolls acompanha
a saga das simpáticas criaturas que vivem nos esgotos da cidade de Ponte
Queijo. Eles vestem caixotes típicos de supermercado e adotam como nome as
palavras que estão escritas na própria embalagem que usam, adoram vermes e
seres gosmentos e têm por hábito vasculhar o lixo dos humanos madrugada
adentro. Não espere explicações sobre a existência destes seres, pois o filme
não as fornece – talvez em uma sequência? Fato é que os humanos, assustados
como eles só, morrem de medo dos boxtrolls e se trancafiam em casa tão logo
ouvem algum barulho estranho. Todos menos Archibald Snatcher, que deseja
capturá-los. Todos.
É neste contexto que
está o patinho feio chamado Ovo. Um garoto comum, criado desde bebê pelos
boxtrolls, que se considera um deles por mais que seja bem diferente. Quando
seu tutor Peixe é capturado por Snatcher, ele decide se arriscar na superfície
durante o dia para salvá-lo. É quando conhece a mimada Winnie, que resolve
ajudá-lo nem que seja para convencê-lo de que é tão humano quanto ela. Só que
tem um detalhe: Winnie vive em plena aristocracia, com todo o requinte e
trejeitos típicos de tal ambiente. É claro que, vindo do esgoto, Ovo enfrenta
problemas ao lidar com este tipo de gente.
Os Boxtrolls - FotoA
bem da verdade, Os Boxtrolls parte de uma premissa muito parecida com a de A
Noiva-Cadáver: se no filme de Tim Burton os mortos eram mais vivos do que as
pessoas que ainda não tinham falecido, aqui os “monstruosos” boxtrolls são
muito mais amáveis do que os humanos, que assumem posturas típicas de monstros
ao valorizar gestuais e caprichos em detrimento das pessoas. A diferença é que
o universo contraditório divertido e rico em criatividade não se repete neste
novo filme, cujas analogias em certos casos são mais indicadas a um público um
pouco mais adulto, capaz de identificar questões relacionadas às diferenças nas
classes sociais. Além disto, Os Boxtrolls é um filme bastante escuro e, em
certos momentos, sombrio – o que também pode afastar os menores.
Apesar dos percalços,
ainda assim trata-se de um filme interessante e que diverte. Especialmente o
vilão dublado por Ben Kingsley, com sua característica voz imponente, que
apresenta uma faceta inusitada. Fora o fato de que a animação em massinha (ou
stop motion, como é chamada oficialmente) traz um charme todo especial, não apenas
pela qualidade da animação, mas pela própria dificuldade em produzi-la. Algo
que pode ser conferido nos pós-créditos do próprio filme, com a exibição de um
interessante making of sobre a cidade de Ponte Queijo. Vale a pena aguardar.
http://www.adorocinema.com/filmes/filme-222333/criticas-adorocinema/
Últimas
Conversas é um filme documentário brasileiro, lançado em 7 de maio de 2015, distribuído pela Vídeo
Filmes e dirigido por Eduardo Coutinho.
O cineasta Eduardo Coutinho entrevista diversos alunos da rede pública do Rio de
Janeiro, perguntando sobre suas vidas, seus sonhos e o que almejam para o
futuro.
O documentário foi o
último dirigido pelo cineasta brasileiro Eduardo Coutinho e começa com o
próprio diretor, sentado em uma cadeira, relatando suas frustrações em relação
a obra que estava criando. Diferente da maioria dos filmes do diretor, onde só
é possível ouvir a voz do cineasta, em Últimas Conversas, Coutinho aparece em
vídeo e explica sua aflição perante seus jovens entrevistados. Possivelmente,
esta não seria uma opção do documentarista, porém, o documentário não pôde ser
montado por ele, devido ao seu trágico falecimento, esta função ficou a cargo
de Jordana Berg, montadora e parceira de Eduardo desde 1995, que conseguiu
transformar o cineasta em uma personagem de seu próprio filme. O longa-metragem
é o décimo quarto da carreira do premiado diretor e foi exibido na vigésima
edição do "É Tudo Verdade", festival de documentários, onde estreou nos dias 10 e 11 de Abril de 2015.
Cineasta brasileiro,
nascido em São Paulo no dia 11 de Maio de 1933, foi um dos mais premiados e
respeitados documentaristas do país. Suas principais obras foram os
filmes Cabra
Marcado Para Morrer, Edifício Master, Santo Forte, As Canções e Peões. Foi morto aos 80 anos em 02 de Fevereiro de 2014 a
facadas. Por essa razão, o projeto de "Últimas Conversas" ficou sob o
comando de João Moreira Salles, diretor, produtor e colaborador de Eduardo Coutinho
durante sua trajetória.
Foram realizadas aproximadamente
30 entrevistas de 250 adolescentes pesquisados[5]. Eduardo Coutinho trata de assuntos como racismo,
religião, bullying e problemas familiares. Entre as diversas entrevistas,
algumas jovens se emocionam e acabam chorando ou passando por um real processo
de reflexão consigo mesmo. Em alguns momentos, Eduardo Coutinho pode ser visto
como um psicólogo dos jovens que vêem ele como um senhor respeitado em quem eles
podem confiar para contar seus dramas e externar suas opiniões. Apesar do
cineasta aparecer no começo do longa reclamando da falta de naturalidade de
seus entrevistados, não é isso que vemos ao longo do filme. A maioria dos
jovens assumem não acreditar em Deus, outros frequentam a igreja e seguem todas
as orientações impostas pela igreja, A maioria dos adolescentes possuem os pais
separados e já sofreram algum tipo de bullying no colégio, seja por conta de
sua raça ou devido aos padrões de beleza impostos pela sociedade. Muitos
costumam escrever poesias, normalmente em seus diários pessoais. Em determinado
momento no filme, Eduardo Coutinho reclama dizendo que seus entrevistados não
costumam levar as poesias para ele.
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